Mattia L. Palma

Dei tre tenori segnati in locandina, solo Davide Giusti canta davvero. Agli altri due è stata affidata direzione – Dmitry Korchak – e regia – Laurence Dale – con risultati più che discreti.

Al Teatro dell’Opera è andata in scena l’opera russa per eccellenza; o meglio, l’opera russa al quadrato: il capolavoro di Čajkovskij dal capolavoro di Puškin, Evgenij Onegin, con direzione di Conlon e regia dell’onnipresente Carsen – per fortuna, aggiungerei, dato che non sbaglia un colpo.

“Il trovatore”, alla Scala fino al 29 febbraio, alterna passato e presente, tempo del racconto e tempo dell’azione. Alvis Hermanis inscena il dramma in un museo, simbolo dell’interazione tra le epoche storiche. Ma non è aiutato dalla direzione di Luisotti che modifica i tempi con eccessiva disinvoltura.

È una Tosca record quella che ha inaugurato ieri sera la stagione scaligera: oltre un quarto d’ora di applausi, due milioni e 800mila spettatori su Rai1, entusiasmo social. È una Tosca che convince e archivia il verismo di routine e gli effettacci interpretativi. Una Tosca messa in scena con la giusta distanza.

La monumentale opera di Verdi rivisitata da Carsen alla Fenice di Venezia con un colpo di scena che solleva polemiche. Fastosa e ricca di colori la direzione di Myung-Whun Chung.

Oltretutto la radio basta da sola a evocare gli spettri di un periodo di transizione ben preciso, e suggerisce come tema portante dell’opera gli echi bellici, che si possono riferire tanto alla Grande Guerra quanto alla guerra di Troia: poco cambia.

Attualizzazione raffinata, scambio di doni, griffati e non, tra Egizi e Romani, carrellata di dive hollywoodiane. Robert Carsen per questo Händel scaligero mette in scena uno spettacolo ironico, volutamente artificioso con tanto di stacchi cinematografici. Direzione seduttiva di Giovanni Antonini.

Attualizzazione raffinata, scambio di doni, griffati e non, tra Egizi e Romani, carrellata di dive hollywoodiane. Robert Carsen per questo Händel scaligero mette in scena uno spettacolo ironico, volutamente artificioso con tanto di stacchi cinematografici. Direzione seduttiva di Giovanni Antonini.

Ma il valore della scommessa drammaturgica che i due artisti hanno fatto su “Nabucco” è innegabile, tenuto conto che il pensiero registico può contare sull’energia narrativa e sullo slancio di Francesco Ivan Ciampa, che in buca asseconda con la Filarmonica Toscanini questa visione dall’abisso curando le ragioni del dramma musicale verdiano.

Soluzioni che sanno di meraviglia barocca e che fanno da sostegno tecnologico a uno spettacolo che non potrebbe avere più energia, con la sinuosa direzione di Leonardo García Alarcón, alla guida della Cappella Mediterranea, e un cast di buon livello.

Michele Mariotti dirige l’“opera brutta” di Verdi con vigore e sapienza musicale. Più superficiale la regia di David McVicar che riprende la fonte originaria di Schiller

Sogno e teatro coincidono nella regia di Vick dell’opera di Korngold vista ieri per la prima volta alla Scala. Grande successo (e meritato) anche per la direzione di Alan Gilbert e la compagnia di canto nella quale spiccano Asmik Grigorian, Klaus Florian Vogt e Markus Werba.

Arie davvero impervie più o meno risolte da un cast di cui, a parte l’Elettra di Federica Lombardi, il meglio che si può dire è che sia composto da professionisti.

Sedotta e abbandonata, la protagonista di Ariadne auf Naxos di Strauss nella rappresentazione di Frederic Wake-Walker non seduce. Per fortuna compensa la parte musicale. Franz Welser-Möst mostra di essere consapevole della complessità della partitura, della sua natura sperimentale e ambigua.

Il quarto episodio del serial pucciniano diretto da Riccardo Chailly alla Scala è firmato da David Pountney che mette in scena una Manon disintegrata in tante controfigure, molestate a turno dai loschi figuri.

Lo storico allestimento di Ponnelle torna alla Scala rivelando aspetti metateatrali. La direzione di Dantone concilia ritmo e sentimento. Crebassa è un’Angelina commovente.

Ma alla fine l’impressione è che Livermore si sia accontentato di uno spettacolo senz’altro fatto al meglio – le scene imponenti dello studio Giò Forma, i costumi belli e coraggiosi di Gianluca Falaschi –, ma decorativo, senza una lettura che tenga insieme il complicato meccanismo della scena.

Nella versione di Michieletto dell’opera verdiana andata in scena alla Fenice di Venezia e diretta con sintonia da Myung-Whun Chung il materiale drammatico è arricchito di simboli e suggestioni, di immagini che trasformano le allusioni in verità lancinanti.

In questa edizione, vista al teatro sociale di Bergamo, della prima opera del trittico elisabettiano di Gaetano Donizetti, la regista Maria Pilar Pérez Aspa punta tutte le sue carte sulla rivalità tra le due donne. Vedi il sottotitolo ammiccante Eva contro Eva. Dirige con mestiere e sincerità Riccardo Frizza.

Mozart rivisitato da Graham Vick, che di buffo lascia pochino. Tinte minacciose, vortici di voluttà per arrivare ai confini del tragico. La direzione di Stefano Montanari asseconda. Almeno nella prima parte.

Reinterpretata da Christoph von Dohnányi, la partitura onora la lettura che dell’opera aveva dato il grande regista francese scomparso. Di questa direzione si ricorderà il lirismo, il rubato struggente, la dolcezza celata nelle oscurità del cuore della protagonista.

La sorpresa è che questa atmosfera interiore, strana e straniante, funziona persino in un contesto di pire e conseguenti do di petto. Così i conti melodrammatici tornano anche con l’opera di Verdi più potente e passionale.

Incerta la regia di Sven-Erich Bechtolf a cui forse è mancato il coraggio di fare ’“Ernani a Nasso”, sorprende la direzione di Ádám Fischer che conduce con vigore e intensità drammatica.

Successo per tutti. Meritato vista la difficoltà della sfida con un’opera ambiziosa e complessa.

Ed è proprio in questi passaggi che l’interpretazione di John Osborn diventa struggente, perché nel suo “Adina credimi” sa comunicare il confine tra la mitezza e l’oppressione, tra la speranza e la disillusione.

Così lo spettacolo, pur ricco di soluzioni brillanti, lascia lo spettatore con troppi dettagli confusi, specialmente nella seconda parte, quando non generici – e un filo ideologici.

L’opera di Vincenzo Bellini, dalle oscure atmosfere romantiche, approda alla Scala diretta da Riccardo Frizza. Sonia Yoncheva, a sessant’anni di distanza, regge il confronto con la Divina Callas.

L’altra ragione per cui questa ripresa di Fidelio è stata così opportuna è che Deborah Warner ha potuto tornare su uno spettacolo che forse nel 2014 non era stato capito del tutto.

Davide Livermore aiutato dalle ricostruzioni dello Studio Giò Forma rilegge l’opera di Donizetti con il registro della commedia all’italiana. Chailly asseconda riempendo sinfonicamente i grandi spazi sul palcoscenico.

La rivelazione della serata è senz’altro Michael Volle, che deve solo sistemare un po’ la dizione per diventare uno dei migliori Falstaff in circolazione.

Florez risolve da grande artista una parte scritta per haute-contre, nonostante alcune difficoltà negli acuti.

Per la prima volta va in scena alla Scala Die Fledermaus di Johann Strauss figlio, con l’ottima direzione di Cornelius Meister e lo spettacolo deludente di Cornelius Obonya.